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아르누보 스타일에 대한 언급에서 기괴한 곡선, 직각의 부재 및 곤충에 의해 부활 한 줄기, 잎, 꽃 및 과일의 기발한 얽힘이 기억에 나타납니다. 이 모든 것들은 아르누보로 우리에게 친숙한 아르누보 꽃 무브먼트의 특징입니다. 이 스타일은 전통 의식 예술에 대한 거부와 자연의 아름다움, 새로운 형태 및 생산 기술을 일상 생활에 가져와 어떤 대상이든 예술 작품으로 만들려는 시도를 기반으로합니다. 스타일의 창시자는 인테리어, 건축, 예술을 포함하여 인간과 환경의 통일성을 선언했습니다.

아르누보 스타일은 다른 스타일과 달리 1880 년대 말부터 1914 년까지의 기간에 의해 분명히 제한됩니다. 특징은 다음과 같습니다.

• 매끄럽고 기괴하게 구부러진 선 (특징적인 획 중 하나는 "채찍 타격"이라고 함)과 곡면,
• 음소거, 자연색에 가까운 색상 : 파란색, 흰색, 베이지 색, 올리브색, 은회색, 옅은 보라색;
• 희미한 조명, 컬러 유리 램프 및 스테인드 글라스 창으로 어두워 짐;
• 천연 재료 및 그 조합의 사용 : 유리, 석재, 도자기, 목재, 금속, 직물;
• 장식의 주요 테마는 자연입니다 : 풍경, 식물 및 꽃 패턴, 곤충 및 새.

현대에는 상징주의가 특별한 역할을 맡고 있습니다. 각 그림은 이미지 일뿐만 아니라 기호, 색상 및 구성을 통해 표현 된 작가의 생각이기도합니다. 꽃과 식물의 이미지는 의미 론적 부하를 지니고 있습니다. 난초는 화려 함, 사치, 사랑, 고사리-평화와 고요함, 장미-삶의 아름다움, 백합-순도와 순결, 수국-겸손과 성실, 홍채-빛과 희망, 클레 마티스-부드러움, 엉겅퀴-용기와 인내. 생명의 탄생을 상징하는 새싹은 아르누보에서 가장 널리 퍼진 드로잉 요소 중 하나가되고 있습니다.

양귀비의 이미지는 종종 발견되며 수면과 현실, 삶과 죽음 사이의 전환을 나타냅니다. 개별 꽃은 이전 세기에 인기가 있었던 꽃다발보다 선호됩니다. 물 한잔에 꽃을 모방 한 제품에 대한 패션이 있습니다.

장식은 매우 잘 알려져 있지만 조건부 식물 이미지로 인해 특히 인기를 얻고 있습니다. 백합, 수련, 갈대와 같은 좁은 긴 줄기와 잎을 가진 양식화 된 수생 식물을 사용하면 평온한 삶의 흐름을 조성 할 수 있습니다. 윤곽선의 곡선은 식물의 성장과 움직임과 같은 역학을 강조합니다. 잎과 줄기의 선형성과 대조되는 꽃의 기괴한 윤곽은 홍채, 난초, 시클라멘, 국화, 장미 등 아름다움과 고급 스러움을 강조합니다. 아이리스는 아르누보의 상징이됩니다. 그들은 종종 숲 꽃의 이미지를 사용합니다-계곡의 백합, kupavka, 민들레, 엉겅퀴, 수레 국화, 단순함과 일상 생활의 매력에 중점을 둡니다.

아르누보의 표준은 Herman Obrist (1895)의 그림으로, 화려한 곡선 줄기가있는 시클라멘을 묘사합니다. 굴곡의 특징적인 윤곽은 "채찍의 타격"이라는 자체 이름을 받았으며 이후 예술가들이 적극적으로 사용했습니다.

아르누보 (Art Nouveau)의 꽃 무브먼트는 프랑스에서 형성되었으며 주요 중심지는 파리와 낭시였습니다. 파리는 예술과 공예 (특히 가구와 유리 생산)에서 건축, Nancy의 리더였습니다. 스타일의 표준에 따르면 예술은 항상 사람을 둘러싸고 있어야하며, 각 개체는 동시에 고유해야합니다. 이 계명은 새로운 스타일의 확산을위한 토대를 마련한 아르누보의 거장들에 의해 이어졌습니다.

이 거장 중 한 명은 유명한 건축가 Emile Guimard였습니다. 지금까지 파리지앵과 관광객들은 그의 프로젝트에 따라 만들어진 파리 지하철 입구 디자인의 정교함과 간결함에 감탄했습니다. 그는 금속 구조에 살아있는 식물의 모양을 부여했습니다. 자연적 형태에 의해 "애니메이션화"된 이러한 작품을 유기체라고합니다.

파리의 Guimard와 러시아의 Schechtel의 디자인에 따라 지어진 주택은 아르누보 건축의 예가 될 수 있습니다. 엄청난 인기와 명성을 누린 파리 국제 전시회는 스타일을 홍보하는 데 큰 역할을했습니다. 파리 전시회 방문객 수는 5100 만 명에 달했습니다. Guimard의 집 중 하나 인 Beranger 호텔은 1898 년 파리에서 열린 국제 전시회의 주제가되었습니다.

그리고 1900 년 보스니아 헤르체고비나의 전시관은 아르누보의 또 다른 거장 인 알폰스 무하 (Alphonse Mucha)에 의해 디자인되었으며, 그는 흐르는 옷과 꽃 장식의 여성 인물이있는 연극 포스터가 스타일 캐논이되었습니다.

아르누보의 목표는 편안하고 아름다운 생활 환경을 만드는 것입니다. 그래서 지붕에서 마지막 못까지 같은 스타일의 복잡한 건물 디자인이 유행하고 있습니다. 건축가는 건물을 "안쪽에서 바깥쪽으로"디자인하고 먼저 내부를 형성 한 다음 비대칭이되는 건물의 외관 디자인으로 넘어갑니다.

건축과 인테리어는 공통된 스타일 표현으로 서로 연결되고 통합됩니다. 아르누보 건물의 특징 중 하나는 세라믹 모자이크 패널입니다. 이것은 집의 프리즈가 종종 장식되는 방법입니다. 통일 된 스타일의 실내 장식은 천장, 램프, 벽 패널, 가구 세트 및 쪽모이 세공 마루를 포함한 독특한 앙상블을 창조합니다.

어떤 경우에는 조화로운 생활 환경을 만드는 예술가가 인테리어뿐만 아니라 소유자의 집 옷까지 완전히 개발합니다. 이 파도에는 Sagrada Familia 대성당에서 벤치 장식, 궁전에서 창문 볼트에 이르기까지 모든 것에 종속 된 주요 인물이 나타납니다..

이 기간의 가구는 장식 요소를 배치하기 위해 선반, 테이블 및 기타 다양한 플랫폼이 특징입니다. 그러나 아르누보는 예술과 공예에서 최대한의 표현을 찾았습니다. 아르누보 철학의 핵심 인 성장과 발전에 대한 아이디어는 식물을 장식에 대한 가장 편리하고 표현적인 동기로 만듭니다. 아르누보는 3 차원 이미지를 추구하지 않고 기이 한 평면 패턴을 선호하며, 이는 식물을 묘사하는 관습에 의해 촉진됩니다.

유리는 가장 인기있는 장식 요소 중 하나가되고 있습니다. 이 분야에서 프랑스의 Emile Galle과 미국의 Louis Comfort Tiffany가 성공하여 유명해졌습니다. 티파니의 스테인드 글라스 기술이 특히 인기를 끌었습니다. 동박을 사용하여 컬러 유리 조각을 접합하는 기술로 밝고 정교한 제품을 만들 수 있습니다. Lalique와 Faberge의 독특한 작품은이 시대의 보석 예술에 지울 수없는 흔적을 남겼습니다. 파베르 제 부활절 달걀 "클로버"와 "계곡의 백합"은 언제나 청중을 즐겁게 해주 며 아르누보 꽃 트렌드의 생생한 예입니다. 클로버 알의 전체 표면은 클로버 잎의 연속 장식입니다.

Emile Halle (1846-1904)은 아르누보의 최전선에있었습니다. 그는 상징주의, 식물학 및 생물학의 철학과시에 대한 깊은 지식으로 디자이너의 전문 교육을 보완했습니다. 나중에이 지식은 식물 이미지의 세부 사항과 자연에 대한 철학적 이해를 통해 그의 작품에 구체화 될 것입니다. 상징주의의시에 대한 지식은 그를 미묘하게 느낄뿐만 아니라 그가 가장 좋아하는 시인 인 C. Baudelaire, S. Malarmé, P. Verlaine, F. Villon을 그의 제품에 엮어 명성을 얻었습니다. "토킹 글래스"의 저자로서.

Galle은 합판 유리로 만든 꽃병으로 그의 영광의 꼭대기에 올랐습니다. 1898 년 파리 국제 전시회에서 그의 작품은 금메달을 수상했고, 작가는 명예 훈장을 받았다.

그의 작품의 그림과 장식품에는 종종 우산, 야생 난초, levkoi, 과학과, 마가목 및 건포도 잎의 이미지뿐만 아니라 소나무 가지와 원뿔, 사쿠라, 새 및 물고기가있는 동양적인 모티브가 있습니다.

Galle 꽃병에는 2 ~ 5 겹의 컬러 유리 (보통 3 개)가있어 서로 다른 색조를 만듭니다.다층 공작물이 에칭되어 카메오와 같이 체적 반투명 패턴이 나타나 조각으로 완성되었습니다. Galle을 유명하게 만든이 "카메오 유리"기술은 고대 중국의 접합 조각 유리 기술에서 개발되었습니다. 할레 꽃병은 항상 무겁고 바닥에 광택이 나는 디스크가있어 제품의 다층 구조를 볼 수 있습니다. Galle의 작품은 낭만적 인 풍경과 꽃, 과일, 허브, 곤충 장식으로 가득 차 있으며 작가의 서명이 유기적으로 짜여진 독특한 패턴을 만들어냅니다.

1900 년에 Emile Halle은 그의 명성의 정점에 도달했습니다. 부의 수준에 관계없이 하나의 자존심있는 집도 그의 제품 없이는 할 수 없습니다. Halle은 공장의 제품을 세 가지 범주로 나눴습니다. 직렬, 산업 유통에서 생산, 소규모 또는 "세미-럭셔리"(데미 리치)라고 부르는대로 소량 생산, 독점 (Pieces 고유-고유) 제품) 또는 "럭셔리", 갈레 자신이 단일 사본으로 직접 만들었습니다 (예 : 용이 달린 꽃병).

첫 번째 루마니아 여왕 엘리자베스 (Elizabeth)는 루마니아에 공장 지사를 연 Galle의 팬이자 후원자였습니다. 저자가 직접 기증 한 독특한 꽃병 (예 : Edelweiss, Honey Cup, Paradise Muse, Moonlight)은 루마니아 왕실 컬렉션의 토대를 마련했습니다.

Galle의 훌륭한 작품 컬렉션은 St. Petersburg Hermitage의 General Staff Building에 보관되어 있습니다. Nicholas II와 Alexandra Feodorovna는 1896-1900 년 Halle의 작품에 매료되었습니다. 황후의 방은 그의 제품으로 장식되었습니다. 그녀는 특별히 클레 마티스가 달린 꽃병을 놓기 위해 책상을 선택했으며 Nicholas II는 Lorraine의 선물로 분홍색 난초가있는 쌍 꽃병을 선물했습니다. Alexandra Feodorovna의 주문에 따라 Galle의 일부 제품은 Faberge에 의해 은색으로 설정되었습니다.

1900 년 파리 세계 전시회에서 전시 된 Galle 꽃병은 Baron A.L. 혁명 이후 수집 된 Stieglitz는 Hermitage의 보물을 증가 시켰습니다.

19 세기 말의 참신함이었던 전기는 Halle의 새로운 작업 인 최초의 유리 전등갓과 램프 홀더에 자극을주었습니다. 상감 또는 카메오 기술로 만들어졌으며 내부에서 백라이트를 켜고 은은한 빛을 내며 시장에서 큰 인기를 얻었습니다. 유리를위한 예술적 프레임을 만든 Louis Majorelle과 협력하여 Halle이 많은 테이블 램프 모델을 만들었습니다.

1901 년 Halle의 주도로 Alliance Provinciale des Industries d' Art가 창설되어 장식 및 응용 예술 제품을 생산하는 소규모 지역 워크샵을 통합하고 지역 전체의 예술 산업 발전에 박차를가했습니다.

나중에 얼라이언스는 얼라이언스에서 만들어져 10 년 이상 존재해온 디자인 아트 스쿨의 이름을 따서 낸시 학교 (L' Ecole de Nancy)로 명명됩니다. 시간이 지남에 따라 "School of Nancy"라는 이름은 아르누보 제품 생산의 중심이되었습니다. 학교의 상징은 지구력을 상징하는 로레인 십자가와 엉겅퀴였습니다.

얼라이언스 회원들이 제작 한 엄청나게 다양한 고급 예술 작품은 독일, 영국, 벨기에, 이탈리아, 미국 및 러시아의 국제 전시회에서 학교 명성과 대중의 인정을 받았습니다.

Halle의 성공은 전염성이있었습니다. 그의 모범은 유리 공장 Daum Freres & Cie를 소유 한 Alliance의 회원 인 Dom 형제가 이어졌습니다. Verreries de Nancy는 여전히 번성하고 있습니다. 1889 년에 그들은 식물 디자인이있는 꽃병의 산업 생산을 시작했습니다. 그들의 제품은 더 자연스러운 이미지로 구별됩니다. 가공 기술 목록은 Halle의 목록과 거의 동일했으며 대량 생산에는 음영의 정교함과 색상의 넘침 만 부족했습니다. 카메오 유리 화병과 램프는 전체 제품 중에서 가장 인기가있었습니다.

카메오 글래스의 도움으로 인기를 얻은 Galle은 가구 제작에서 벗어날 수 없었습니다. 가공의 복잡성으로 인해 Galle 자신의 그라데이션에 따라 고유하거나 "세미 럭셔리"로만 만들어졌습니다. 가구는 자단, 참나무, 단풍 나무, 호두, 과일 종-사과, 배로 만들어졌습니다. 주인은 Lorraine에서 자라는 지역 나무 종을 선호했습니다. 다양한 유형의 목재로 된 릴리프 인레이와 세부 사항의 의무적 인 수동 처리는 그의 제품을 차별화했습니다. 장식을 위해 Galle은 자연스러운 동기, 나비 및 잠자리를 사용했습니다. 그는 "자연과 밀접한 관련이있는 현대 가구의 장식은 자연 형태의 고귀함에 둔감 할 수 없다"고 말했다.

그의 작품에는 인레이 외에도 많은 조각 요소가 등장합니다. 모양은 종종 비대칭이되고 처음으로 물체의 다리는 잠자리 또는 개구리 다리의 형태를 취하거나 꽃 장식으로 장식됩니다.

1909 년은 낸시 학교 회원들의 작품이 함께 전시 된 마지막 해였습니다. 독점 성을 추구하는 정교하고 값 비싼 작품을 가진 아르누보는 값싼 예술 작품을 대량 생산함으로써보다 경제적으로 실행 가능한 아르 데코 스타일로 자리 매김했습니다.

1964 년에 Nancy School Museum이 문을 열었습니다. 박물관 전시물의 대부분은 독특한 가구, 스테인드 글라스 및 아르누보 유리의 예입니다. 박물관 정원은 1897 년 캐비닛 제작자 Eugene Wallen이 만든 Galle 작업장의 참나무 문으로 장식되어 있습니다. 조각 된 밤나무 잎과 Emile Galle의 모토 인 "내 뿌리는 숲에 깊숙이 있습니다"로 장식되어 그의 모든 작업을 반영합니다.

1990 년대 말 학교는 재개되었고 1999 년은 낸시 학교의 해로 선포되었습니다. 2013 년“Emile Galle. Glass Rhapsody”, Galle의 작업에 대해 알아볼 수 있습니다.

시간이 지남에 따라 일상 생활에서 갱신과 아름다움에 대한 아이디어를 전달하는 아르누보의 꽃 트렌드는 일반적으로 아르누보와 관련되기 시작했습니다. 매번 양식화 된 꽃과 기묘한 곡선의 이미지는은 시대의 시대로 돌아가 자연과 예술과 소통하는 즐거움을 선사합니다.